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Der ausweichende Corporeality von Edoardo Tresoldis bildhauerischem Poetics

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Es gibt eine unheimliche Qualität in italienischen Bildhauer Edoardo Tresoldis Arbeit, die die Tatsache abstammt, dass, was Sie sehen, so wichtig wie ist, was Sie nicht sehen. Teilarchitektur, Teilgrafik, Teilhalluzination, sein ätherischer Bau taucht den Besucher in eine traumhafte Umwelt unter, die verlangt, eher als sichtlich verbraucht worden geistlich wieder aufgebaut zu werden.

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Begriffen als Rauminterventionen und aus Maschendraht heraus errichtet, Tresoldis sind Skulpturen in einer Mischsprache von klassischen Urformen und von modernistischen Formen entworfen. Die Konvergenz der Skulptur, des scenography und der Architektur darstellend, überschreiten sie den Corporeality dieses fest materiellen Handwerks, indem sie ein Viertel, das elegische Maß enthalten, das auf Abwesenheit zentriert wird. Ihre Transparenz bedeutet auch, dass sie im Dialog mit der Landschaft, worin sie stehen, sein genius loci sind, das mühelos in die poetische Erzählung eingefügt wird, die sie beschwören. Indem sie so viel Aufmerksamkeit zu geben, was fehlt hinsichtlich, was es gibt, Tresoldis verhandeln unheimliche Schaffungen über eine flüssige Entente zwischen den wütend entgegenwirkenden Konzepten der Wirklichkeit, Gedächtnis und Fantasie; ein zeitloser Kampf, dessen Auflösung schließlich bis zum Zuschauer gelassen wird.

Seit 2013 Tresoldis hat Arbeit sich auf Standort-spezifische Räume der Installationen öffentlich und archäologische Zusammenhänge sowie private Kommissionen, Festivals der zeitgenössischen Kunst und der Musik und Gruppenausstellungen konzentriert. Höhepunkte seines vielfältigen Gesamtwerks umfassen Basilica di Siponto (2016), eine dauerhafte Installation, die zeitgenössische Kunst und Archäologie verschmilzt, indem es eine Paleo-Christbasilika in Puglia, Italien, die Aura, ein Standort-spezifisches wieder herstellt, zweiteilig, Schwimmkörper, der die Hallen von Le Bon Marché, das prestigevolle Pariser Kaufhaus im Herbst von 2017 übernahm und Archetipo (2017), ein Ausbreiten, Innen„Marktplatz“ in Abu Dhabi synthetisierten von den Hauben, von den Bögen, von den Kolonnaden und von anderen Architekturfragmenten des italienischen Klassizismus.

Sein neuestes Projekt, damit die größte Grafik des Coachella-Musik-Festivals, Etherea, Tresoldis bis jetzt und das größte im Festival gekennzeichnet werden kann, ist eine ephemere allgemeine Grafik, die drei ausgerichtete Skulpturen enthält, die durch neoklassische angespornt werden und barocke Architektur der identischen Form aber Größe, die vermindert, die Besucher einladen, Wirklichkeit als sie Fortschritt durch sie nachzueichen. Tresoldi sprach mit Yatzer über seine künstlerische Praxis, seine Inspirationen und seine neueste Installation für das Coachella-Musik-Festival.

Obgleich Sie einen künstlerischen Hintergrund haben, hat Ihre Arbeit eine starke Architekturempfindlichkeit. Wie geschah dieses und wie nzt es ergä oder stützt Ihre künstlerische Vision?

Ich denke, dass es zwei Hauptgründe gibt: mein Hintergrund als scenographer und die Faszination, dass Landschaften und Plätze immer auf mir angewendet haben. Die Architekturempfindlichkeit, mit der meine Skulpturen begriffen werden, wird mit einer erfahrungsmäßigen Erzählung und in diesem Sinne Architektur ist eine Sprache verbunden, durch die die Heiligkeit der Natur und seiner Beziehung feiern, um zu bemannen.

Wie Maschendraht wurde solch ein überwiegender Aspekt Ihrer Arbeit? Was sind die technischen Schwierigkeiten, dass Sie überwinden mussten?

Ich begann, es während meiner Arbeit als scenographer zu verwenden. Seine Transparenz erlaubt mir, die immaterielle Seite von Sachen zu spinnen, was ich die abwesende Angelegenheit nannte und mit gesehen und dem ungesehenen spielen, zum eines traumhaften Maßes herzustellen, das Zuschauern erlaubt, in einem konstanten Verhältnis zu den Umgebungen zu sein.

Maschendraht hat seine eigene einzigartige technische Komplexität: Paradoxerweise macht seine Transparenz jedes technische Detail ziemlich sichtbar. In der Entwurfsphase werden die Formen durch die Struktur und vice versa begrenzt. Aber die Stärke der Grafiken liegt in der Balance zwischen Ästhetik und struktureller Form; alles rotiert um die Nebeneinanderstellung zwischen diesen zwei Elementen.

Ihre Arbeit rotiert um Rauminterventionen. Was forderte Sie auf, dich auf Standort-spezifische Arbeit zu konzentrieren? Was ist der künstlerische Prozess, durch den das genius loci jedes Raumes oder Landschaft in den Entwurf kalibriert und enthalten wird?

Ich wende viel Zeit sich untertauchen in den Standort jeder Installation auf. Ich versuche, sein Wesentliches zu fassen, indem ich eine zeitgenössische Sprache aufbaue, die mit einem emotionalen Weg, eine ephemere Einheit verbunden wird, die das Alltagsleben brechen kann, das Zeitraummaße überschreitet.

Sie haben die Installation der Auras als „Relikte auf Anzeige“ verglichen, während andere Projekte als „Architektur in den Ruinen“ beschrieben worden sind. Tut Ihre Faszination mit „dem Graben“ die Vergangenheit was ist die Faszination dieser archäologischen Annäherung und woher, aufzutauchen?

Ich bin italienisch! Ruinen und klassische Urformen werden stark in meiner Psyche gewurzelt. Ich wohnte auch in Rom für sieben Jahre, als ich als Bühnenbildner arbeitete. Rom ist eine starke, zeitlose Inspiration für jeden Künstler. Schließlich holten ihre gedrängten Skyline Walter Benjamin zu sagen, dass „tut nicht, träumend, die hohe Straße in Rom zu nehmen?“ Meine Faszination mit Ruinen kam zum Leben mit der Basilika di Siponto, die die metaphysische Ruine antrieb, ein Konzept, das ich während des Geschäfts der Entwurfs-Woche in Hong Kong vergangenen Dezember darstellte. Es ist eine zeitgenössische Ruine, die die Formen der ursprünglichen Architektur durch die Transparenz des Maschendrahts wieder einführt, und begleitet den Besucher durch ein neues emotionales und ein Raumerleben, untergetaucht in der zeitgenössischen Landschaft.

Nehmen Sie uns durch Ihren künstlerischen Prozess. Welches ist der schwierigste Aspekt, die Konzeption, der Entwurf oder der Bauabschnitt?

Jeder Aspekt der Arbeit hat seine eigenen Regeln, die gefolgt werden müssen. Betreffend Grafiken im Freien hängt der erste Schritt mit der Studie und dem Verständnis der Eigenschaften des Standorts zusammen. Dann berücksichtigen die Architekturzusammensetzung die körperliche Dynamik des Platzes und die Landschaftselemente werden Bestandteile des Projektes.

Viele Ihrer Arbeiten sind vorübergehende Installationen. Wie fühlen Sie sich über ihre Unbeständigkeit? Ist dieses der entscheidende Contrivance in einer Bemühung, die Abwesenheit zu schildern von der Angelegenheit?

Unbeständigkeit ist ein wesentliches Bestandteil des ephemeren Wertes meiner Arbeit. Meine Interventionen beruhen auf dem zeitlichen Bestehen eines Platzes und können unterschiedliche Lebensdauer abhängig von der Art der Grafik und der Erzählung haben. „Der Ort“, verwirklicht gemeinsam mit italienischem Musiker IOSONOUNCANE für LEITEN Festival in Italien, ist ein perfektes Beispiel von dem ab. Es ist eine „Leistung von Plätzen“, von vorübergehenden Geschöpf innerhalb des majestätischen Landschaftsbilds der Bucht von Sapri und von einem der definierenden Elemente des Ereignisses des performative Wertes gewesen. Sobald Lebenszyklus der Orte abgeschlossen wurde, verschwand er und überließ dem Platz sein bereits bestehendes Gleichgewicht.

Beleuchtung ist ein wichtiger Aspekt, wenn sie Ihre Installationen, seine immaterielle Natur zur Schau stellt, welche die Nebensächlichkeit Ihrer Schaffungen reflektiert. Wie gehen Sie, den beleuchtenden Entwurf ungefähr zu entwickeln? Ist die Nachtzeitansicht Ihrer Installationen wie unterschiedlich, die im Vergleich zu ihrem Tagesauftritt sein sollen?

Tagsüber erlauben Sonnenlicht, Wind, Wolken und Regen, dass die Installationen unter verschiedenen Stimmungen erfahren werden. So werden die Skulpturen dynamische Räume, die auf alle Arten externe Faktoren reagieren, in denen die Zuschauer die Interaktion zwischen Außen- und Innen erfahren können und das Verblassen von Grenzen.

Nachts jedoch, reichert betont künstliche Beleuchtung die Oberflächen und die Volumen an und die Architekturzusammensetzungen und die Verzerrungen auf eine ätherischere und verschobene Art und macht sie majestätische, aber noch vertraute und empfindliche Räume.

Sie haben häufig Installationen für Musikfestivals geschaffen und mit Musikern zusammenarbeiteten. Ähnlich Ihrer Arbeit, stellt eine Musikkomposition eine immaterielle Erzählung dar, die Zuhörern zum Fleisch heraus in ihren Köpfen eingeladen werden. Untermauert dieser geteilte Geist teils solche Zusammenarbeiten? Auf welche Arten tut Musik und Musiker spornen Ihre Arbeit an?

Musik und bildende Kunst sind beides Teil einer einzelnen künstlerischen Einheit, nehmen Inspiration von einander und stellen das schillernde und das immaterielle in den verschiedenen Arten dar. Durch meine Arbeiten und Zusammenarbeiten versuche ich, die Grenzen zwischen den Disziplinen zu verwischen und experimentiere die immer währenden Möglichkeiten, indem ich die Sperren zwischen sie niederreiße.

Sagen Sie uns einem Stückchen über Ihre Installation für das Coachella-Festival. Wie geschah die Kommission und was versuchen Sie, mit diesem Projekt zu vollenden?

Ich bin in Verbindung mit Coachella für ein Jahr jetzt gewesen, wie ich bedeutet wurde, um an der Ausgabe 2017 teilzunehmen, aber ich in den UAE beschäftigt war, die an Archetipo arbeiten.

Etherea ist meine größte Grafik bis jetzt, ein Platz, in dem Besucher das Verhältnis zu den grenzenlosen Kalifornien-Landschaften erfahren können, kommentiert durch die Sprache der klassischen Architektur. Seine auffassungsfähigen dank der Raumänderungen ständig die allmählichen Maße der drei Skulpturen, denen entweder den Abstand zwischen den Zuschauern und dem Himmel verstärken Sie oder verringern Sie.

Es ist, wie, wenn Sie zu einem Platz nach einer langen Zeit zurückkommen und Sie an ihn sich erinnerten, größer oder kleiner zu sein als, was er wirklich ist: das Gedächtnis der vorhergehenden Architektur erhält bis das nachreguliert, in dem Sie durch eine Reihenfolge von optischen Effekten hereinkommen.

Etherea ist auch der Höhepunkt meiner Zusammenarbeiten mit Musikfestivals. In diesem Sinne wird es als enorme ephemere allgemeine Grafik innerhalb Coachellas großer vorübergehender Stadt bedeutet: das ideale Maß, für mich, die bildhauerische Erzählung vom ephemeren fortsetzen.